Anaconda (2025)

Atravesando ambos una crisis de la mediana edad, Doug y Griff deciden reunir a otros dos amigos de la infancia para llevar a cabo el sueño de filmar una secuela espiritual de "Anaconda". Para ello viajan a la selva amazónica buscando conseguir el mayor realismo posible sin imaginar que una serpiente gigante asesina está detrás de ellos.

Hay películas que uno no se espera y ni siquiera se imagina podrían ser una realidad, pero por X motivos terminan sucediendo. 

"Anaconda" es una de ellas, ninguno se esperaba que a 28 años de la original apareciera una especie de "secuela espiritual" y encima protagonizada por dos actores tan populares como Jack Black y Paul Rudd. 

El resultado es una comedia sin sentido que funciona desde varios aspectos, hace reír, homenajea al film de 1997 y tiene una serpiente gigante asesina. 

Tal vez por las bajísimas expectativas que tenía la termino valorando un poco más, pero la realidad es que reunía todos los condimentos para ser un desastre y lejos estuvo de serlo. 

Tarda un poco en arrancar y el humor que inicialmente se usa es ese que saca sonrisas pero no carcajadas, hasta que los protagonistas se adentran en la selva y la película abraza el absurdo beneficiándose. 

A partir de ahí sí tenemos risas en cantidades, hay momentos desopilantes y la odisea de nuestros protagonistas es ridículamente adrenalínica. 

La anaconda gigante se podría haber aprovechado mucho mas, pero nos deja varias secuencias de peligro a la altura de la original (que tampoco es una peli de gran calidad pese a lo entretenida que resultaba). 

Se aprecian los guiños constantes a aquella y los cameos de sus actores, la diversión se mantiene hasta el final y "Anaconda" esquiva sin problemas el desastre que pudo ser para salir adelante como una comedia muy simpática. 

7.0/10

MaXXXine (2024)

Años 80. Después de sobrevivir a la matanza desatada durante el rodaje de una película para adultos, Maxine intenta llegar a la cima haciéndose un nombre en Hollywood. Sin embargo, un peligroso sujeto la persigue dispuesto a recordarle su pasado.

Llegando para completar la trilogía iniciada con "X" y continuada en retrospectiva con "Pearl", "MaXXXine" es un satisfactorio y a su vez descafeinado cierre de esta saga.

Satisfactorio porque le entrega a la historia y especialmente a su protagonista un cierre aceptable, se opta esta vez por el formato del thriller policial ochentero y como tal cumple con lo justo.

Descafeinado ya que es inevitable no realizar comparativos y se queda debajo tanto de "X" como del punto más alto de la saga ("Pearl"), siendo inferior a ambas.

Mia Goth no alcanza la excelencia a la que llegó en la precuela pero su interpretación es tan sólida como en la iniciadora, Maxine es el alma de la película y el destino de ella lo más importante para el espectador.

Con un personaje tan bien construido como Maxine y los antecedentes de las producciones previas claramente se podría haber desarrollado una historia más atrapante, mismo caso que con todo el trasfondo del Acosador Nocturno que no explota como podría haberlo hecho.

Tomando los asesinatos brutales (aunque no tanto como aquellos) de "X" y entregándole a su protagonista una evolución dramática (no tan profunda eso sí) como se hizo en "Pearl", "MaXXXine" es una conclusión menor pero al menos aceptable a la hora de ponerle fin a esta más que recomendable saga.

6.4/10

Terror en el instituto (1987)

Durante el rodaje de una película de terror basada en hechos reales, misteriosos asesinatos comienzan a suceder poniendo a todo el equipo de rodaje en riesgo.

Perdido entre los tantos slashers que aparecieron en los 80, "Return to Horror High" es también uno de los peores realizados en aquel entonces.

Haciendo un uso sin la menor gracia de la comedia y el terror, la película falla en absolutamente todos los aspectos: no hace reír, no tiene ni un asesinato decente, escasa sangre y personajes estúpidos al extremo.

Peor todavía el ridículo desenlace que para lo único que sirve es para coronarla como un desastre absoluto.

Hay cientos de slashers poco conocidos y recomendables de descubrir en los años ochenta, "Return to Horror High" NO es uno de ellos.

1.5/10

Pirañaconda (2012)

Mientras se encuentran rodando una película de bajo presupuesto en Hawai, los miembros de un equipo de filmación comienzan a ser asesinados por una serpiente gigante con cabeza de piraña. Con el sanguinario monstruo persiguiéndolos por la selva, los sobrevivientes deberán luchar para no convertirse en las nuevas víctimas de la Pirañaconda.

Continuando con sus telefilms de bajo presupuesto que créase o no tienen más seguidores de los que uno puede llegar a imaginarse, en 2012 Syfy estrenó esta película titulada muy originalmente "Piranhaconda".

Como su título lo indica, estamos ante una mezcla de dos monster movies referentes del género como "Piraña" y "Anaconda", que nos plantea que en caso de que los peces asesinos y la serpiente gigante encontraran alguna forma extraña de reproducirse, seguramente saldría algo similar al monstruo gigante que nos encontramos acá.

Como era de imaginar, los efectos especiales hechos por ordenador son tan falsos como pueden llegar a ser, las actuaciones son tan terribles como todos nos podíamos esperar y tenemos cientos de situaciones y diálogos incoherentes dignos de una producción de este estilo.

Sabido eso de antemano, "Piranhaconda" es un desvergonzado entretenimiento que funciona tanto como sus múltiples limitaciones se lo permiten, la serpiente gigante con cabeza de piraña es muy bizarra desde su diseño, pero no se puede negar que no nos decepciona a la hora de literalmente destrozar a todo aquel que se encuentre en su camino.

En pocas palabras, "Piranhaconda" es tan mala como todos sabíamos que iba a ser, pero dentro de la categoría a la que pertenece y especialmente en comparación con otras monster movies de Syfy, es relativamente aceptable y cumple con brindar lo que promete desde su sugestivo título.

5.0/10

Dioses y monstruos (1998)

El olvidado director de cine James Whale pasa sus días aislado en su casa, con la única compañía de su fiel ama de llaves que lo cuida a tiempo completo. Pronto entabla una relación de amistad con su jardinero, un joven por el que se siente atraído y a quien elige para contar su historia en el Hollywood de los años 30.

"Gods and Monsters" es una emotiva película dramática que cuenta la etapa final de la vida de uno de los directores más destacados del cine de terror, creador de películas míticas como "Frankenstein" y "La novia de Frankenstein".

El film sirve para conocer en profundidad la vida de James Whale, sus primeros años, sus logros cinematográficos y su participación en la Primera Guerra Mundial (hecho que lo atormentaría constantemente hasta el final de su vida).

También se hace mucho hincapié en su homosexualidad, tema por el cual en su momento fue fuertemente cuestionado, y el principal motivo que sirve para que en la película se pueda justificar el comienzo de su relación de amistad con el jardinero.

La actuación de Ian McKellen es soberbia, logra transmitir la sensación de tristeza y dolor que su personaje experimenta a lo largo de la historia, y resulta difícil no conmoverse con el final poéticamente trágico que tiene.

"Gods and Monsters" es una película muy lograda, triste y desoladora por momentos, pero muy efectiva a la hora de emocionar contando el solitario final de un gran director de cine, que antes que todo era simplemente un ser humano.

8.7/10

El sueño de Walt Disney (2013)

Walt Disney está empeñado en llevar a la gran pantalla a Mary Poppins, pero tiene un gran problema: P.L. Travers, la creadora del personaje, quien se niega a venderle los derechos para adaptarla. Pese a años de negativas, Disney no se da por vencido y se propone convencer a Travers para permitirle dar vida a la niñera.

Muchas veces nos preguntamos quiénes están detrás de la creación de nuestros personajes favoritos, ignorando que tal vez ellos tienen una historia ligada directamente a la vida de la persona que los inventó.

La niñera más famosa del cine tiene un origen mucho más complejo del imaginado y una creadora nada convencional; "Saving Mr. Banks" nos permite conocer ambas partes.

Centrándose en abordar la extensa negociación entre P.L. Travers y Walt Disney por los derechos de Mary Poppins, la película también funciona como un biopic al recurrir a los flashbacks que ilustran la infancia de la escritora, a la vez que explicitan los motivos por los cuales se negaba a entregar a su personaje.

Emma Thompson es la reina de la función entregando una soberbia actuación en la piel de Travers, capturando su autoritarismo, terquedad pero también oculta sensibilidad.

Tom Hanks hace un buen papel pero la sensación de excesiva complacencia para con Walt Disney se siente algo forzada, es lógico que se lo favorezca ya que es el máximo emblema de la compañía, pero no resulta creíble tanta bondad de su parte cuando del otro lado tiene una combativa mujer que no da el brazo a torcer.

Dejando de lado ese y algún que otro detalle argumental que faltó pulir, "Saving Mr. Banks" o "El sueño de Walt Disney" como errónea y comercialmente se la conoció en Latinoamérica, es una película que nos ayuda a conocer a una escritora cuyo personaje cinematográfico eclipsó al literario, pero que gracias a la película de 1964, la cual ella manifestó odiar, quedó inmortalizada para siempre.

7.6/10

Polvo de estrellas (2014)

Stafford Weiss es un exitoso terapeuta que se dedica a escribir libros de autoayuda. Pero lejos de tener la vida perfecta que muestra ante el público, el terapeuta tiene un hijo que es una celebridad hollywoodense pero tiene graves problemas con las drogas y una hija con problemas mentales, a la que encerró hace años en un psiquiátrico pero que ha regresado dispuesta a recuperar a su familia. Para insertarse en Hollywood, su hija Agatha se convierte en la secretaria de Havana Segrand, una actriz en decadencia obsesionada con interpretar el papel que hizo su madre en los años 60.

Las estrellas de Hollywood son admiradas por millones y millones de personas alrededor del mundo, quienes las idealizan al verlas protagonizar las películas que la industria produce. Por otro lado, una cantidad similar las envidian por estar dentro de un mundo que se vende como si fuera perfecto.

Pero muy diferente de la idealización que muchos se hacen de ese mundo y especialmente de las personas que habitan dentro, Hollywood y sus estrellas tienen un lado oscuro producto del universo "idílico" en el que viven. Un lado oscuro donde el sexo, el oportunismo, la impunidad, las drogas y demás excesos predominan y en muchas ocasiones, terminan apagando a dichas estrellas.

Centrándose en mostrar esa parte oscura, David Cronemberg nos lleva con "Maps to the Stars" a un paseo decadente, enfermizo y (siempre) superficial a la vida de algunas de esas estrellas hollywoodenses, a las que no será difícil encontrarles un paralelismo con muchas celebridades reales.

Es algo curioso lo que pasa con esta película, tenemos personajes muy bien definidos y abordados con la profundidad necesaria, sin embargo, no hay uno que despierte un mínimo sentimiento de empatía y, por consecuente, te haga experimentar algo que no sea más que frialdad incluso en los momentos más significativos.

Irónicamente y considerando que eso es Hollywood, este no es un problema para con la credibilidad de la historia, pero sí lo es a la hora de conseguir que el espectador se involucre con las superficiales vidas de sus protagonistas, haciendo entrar al film en una meseta de la que -afortunadamente- sale con ese final tan retorcido como contundente.

Párrafo aparte merecen los actores, Julianne Moore está fantástica en la piel de esa decadente estrella olvidada que lucha (a su particular manera) para volver a ser lo que en sus mejores épocas fue. Secundándola, John Cusack y Evan Bird también se destacan como ese odioso terapeuta oportunista y como esa joven promesa de la industria adicto a las drogas e igual de odioso. La única que desentona -pese a que es una gran actriz- es Mia Wasikowska que no está a la altura de lo que su complejo personaje le exigía.

Lejos de ser una obra maestra como varias de sus producciones, "Maps to the Stars" es una película que no se resaltará en la carrera de David Cronenberg, pero que sí se destaca a la hora de retratar la parte oscura -y tan presente- que Hollywood y sus estrellas intentan ocultar diariamente.

7.0/10

Starry Eyes (2014)

Sarah Walker sueña con convertirse en una reconocida actriz hollywoodense y acude a varios castings con poco éxito. Todo cambia cuando un día se le presenta la oportunidad para ser la estrella del nuevo film de un reconocido productor, sin embargo, el precio para obtener dicho papel es muy caro e involucra que Sarah cruce límites que jamás se hubiera imaginado atravesar.

¿Hasta dónde serías capaz de llegar por obtener el papel que te catapulte a la fama? "Starry Eyes" es una interesante aunque inconsistente película que nos da la respuesta a esta pregunta.

Narrada con un tono pausado tan eficaz para generar misterio como perjudicial ya que le hace perder ritmo, el film nos presenta a su protagonista, una joven desesperada por triunfar en Hollywood que tras fracasar en varias audiciones, finalmente tiene la oportunidad que tanto esperaba.

Pero para aprovecharla deberá hacer cosas terribles que probarán su determinación para obtener el papel de su vida, ideadas por un desagradable productor cuya productora esconde una oscura historia detrás.

Logrando mantener un constante misterio respecto a esto último, la película lamentablemente no llega a aprovechar la riqueza de su historia y se pierde en la realización de su objetivo principal.

De todas maneras y únicamente por tener un argumento dentro de todo novedoso, "Starry Eyes" es una producción que -incluso con sus fallas- puede ser vista por todo aquel que quiera ver un film de terror distinto.

6.0/10

Las últimas supervivientes (2015)

Durante un incendio producido en la proyección de un slasher ochentero, cinco chicos son absorbidos por la pantalla cinematográfica entrando a la historia. Trasladados al campamento donde se desarrollan los hechos, deberán pelear contra el asesino que tantas veces vieron en la película si quieren salir con vida.

Consiguiendo un resultado similar a la siempre recomendable "The Cabin in the Woods", "The Final Girls" es una película de terror que a pesar de ser tan típica resulta fresca e innovadora a su vez.

Con una historia calcada de "Friday the 13th" y un asesino que homenajea al mítico Jason Voorhees, estamos ante un slasher que tiene todos y cada uno de los condimentos (y clichés) de esta clase de producciones.

Pero lo que para muchas podría ser un problema, para "The Final Girls" ese es uno de sus principales aciertos ya que sabe cómo utilizar dichos condimentos/clichés para hacer rica una historia ya vista decenas de veces.

Apostando por mezclar el terror con la comedia, el film se queda corto en cuanto a la sangre y tiene unas muertes que no impactan, pero lo compensa con desopilantes gags que te hacen reír en los momentos más inoportunamente oportunos.

Siendo toda una sorpresa dentro del género que puede confundir con su envoltura pero gratifica a través de su contenido, "The Final Girls" es un slasher tan típico como fresco que se disfruta de principio a fin y al cual no le vendría nada mal una secuela.

8.0/10

Había una vez en... Hollywood (2019)

1969, Hollywood. Rick Dalton, una estrella del western televisivo, intenta por todos los medios salvar su carrera de un inevitable estancamiento, siendo acompañado por Cliff Booth, su doble que lo cuida incluso fuera del set. Mientras tanto, su vecina Sharon Tate atraviesa su embarazo disfrutando del éxito que sus películas le están redituando, sin imaginar que peligrosas personas merodean cerca de su casa.

Llegando como uno de los estrenos más esperados del 2019 tanto para la crítica como para su legión de fanáticos, Quentin Tarantino logró reunir a dos de los actores más taquilleros de la industria para protagonizar su noveno film, "Once Upon a Time in... Hollywood".

Así como en "Inglorious Basterds" la Segunda Guerra Mundial fue el contexto para desarrollar una historia libre y tan irreverente como Tarantino está acostumbrado a contar, el Hollywood de finales de los 60 fue el contexto esta vez elegido y los crímenes de la familia Manson el mayor atractivo de fondo.

Recreación de época impecable, vestuario, banda sonora y actuaciones de primer nivel dejan en claro constantemente que estamos ante una producción de este siempre aplaudido director; diálogos mordaces, situaciones bizarras que oscilan entre el drama y la comedia tan geniales como hubiésemos esperado.

Ni hablar de la dupla que conforman Leonardo DiCaprio y Brad Pitt, los dos están fantásticos en sus roles, sus personajes definidos a la perfección y no hay dudas de que quedarán grabados en la historia del cine como tantos que Tarantino construyó.

¿Cuáles son los problemas de "Once Upon a Time in... Hollywood" que la alejan de la grandeza de otras películas del realizador? Varios y todos ellos están relacionados a lo argumental.

Todo lo relacionado al dúo de Pitt/DiCaprio no tiene fallas, ambos protagonizan las mejores escenas y como mencioné anteriormente son dos personajes que quedarán inmortalizados, no obstante, el problema no son ellos, sino el resto.

Pese a que es el tema de fondo, los crímenes de la familia Manson y la presencia de Sharon Tate funcionaban como grandes atractivos de la historia, no obstante, en ambos casos Tarantino falla al darle a los primeros una participación que roza lo absurdo y a la segunda un papel irrelevante.

Nada se puede decir de Margot Robbie ya que captura la ternura y simpatía de Tate sin inconvenientes, pero su personaje no tiene mayor relevancia en la trama y lo más destacado que hace es ir al cine a verse a ella misma.

Peor es el tratamiento de los secuaces de Charles Manson que son presentados como hippies imbéciles e incapaces de lastimar una mosca, cuando bien sabemos fueron responsables de atroces actos, incluso el propio Charles sale poco más de un minuto y literalmente no vuelve a ser visto.

No está mal que Tarantino se tome la licencia de modificar un hecho histórico como lo hizo aplicando toda su genialidad en "Inglorious Basterds", pero fuera de ese desquiciado desenlace que es una oda a la violencia y el humor negro, el resto de las modificaciones poco y nada aportan.

Técnica y artísticamente impecable pero a su vez desperdiciadora de una historia que tenía enorme potencial, "Once Upon a Time in... Hollywood" es una película que vale la pena por su elenco y el inconfundible sello de su director, no obstante, es a su vez una de las películas más flojas hechas por Quentin Tarantino.

7.0/10

Feud: Bette and Joan (2017)

Compartiendo el rodaje de "¿Qué pasó con Baby Jane?", la enemistad entre Bette Davis y Joan Crawford se vuelve cada vez mayor, hasta convertirse en uno de los enfrentamientos más memorables del que Hollywood ha sido testigo.

Thriller fundamental en la historia del cine cuya vigencia se mantiene pese al paso del tiempo, "¿Qué pasó con Baby Jane?" es también una película que siempre será recordada por haber sido el round donde dos de las combatientes más legendarias de Hollywood se enfrentaron.

Y para representar el enfrentamiento entre dos iconos como Bette Davis y Joan Crawford, difícilmente haya una persona más idónea que Ryan Murphy.

Tomando como foco principal la rivalidad entre los dos iconos cinematográficos, Murphy da inicio a otra de las varias series que llevan su sello, "Feud".

Llevando por subtítulo "Bette and Joan", esta primera temporada es una exquisita representación de la célebre enemistad entre ambas actrices, sin embargo, va mucho más allá del cruce para hacer una punzante crítica hacia el Hollywood machista al que las dos leyendas se enfrentaron toda su carrera.

Transcurriendo gran mayoría de ella durante el rodaje de "¿Qué pasó con Baby Jane?", la serie ahonda en los tantos motivos que enfrentaron a Bette y Joan, define con impecabilidad las tan diferentes personalidades de las intérpretes y produce chispas de genialidad con cada dardo venenoso o ataque igual de maléfico que se dedican.

Diálogos fascinantes, una recreación de época y un vestuario fenomenales, actores secundarios que acompañan con celeridad, "Feud" es un triunfo artístico desde todas las perspectivas técnicas.

Si bien hay un leve desnivel en algún que otro episodio, hay otros que se encargan de subsanar cualquier pequeña falla (el episodio dedicado a la gala de los Oscar donde Joan boicotea a Bette con una maligna maniobra es pura arte).

Claro está que si "Bette and Joan" funciona con tanta precisión es gracias a las dos protagonistas: Susan Sarandon y Jessica Lange, dos abismales actrices que interpretan, homenajean, hacen brillar pero jamás intentan imitar a dos leyendas del cine.

Pese a que ambas entregan una clase de actuación a lo largo de la serie, como en todo duelo actoral debe haber una ganadora y en este caso es Sarandon quien triunfa al capturar con exactitud la impronta de Davis, sus gestos, voz, frialdad, esa personalidad de hierro que la convirtió en la diva que fue. Lange deslumbra en los momentos dramáticos, su despedida es magistral y el glamour de Crawford se replica, pero al igual que en la realidad, Bette supera a Joan también en esta ocasión.

Esquivando con elegancia el terreno del conflicto personal para mostrarlo como una consecuencia producto del Hollywood machista al que ambas combatían, "Bette and Joan" es un delicioso comienzo para una serie que reafirma a Ryan Murphy como una de las mentes más creativas de la televisión actual, y es también un poema de amor a las dos leyendas y su mítico enfrentamiento donde -sin saberlo- oficiaban de aliadas contra un sistema que buscaba relegarlas pese al inmenso talento que las convirtió en iconos cinematográficos.

9.0/10

The Disaster Artist (2017)

1998. Tommy Wiseau y Greg Sestero, dos aspirantes a actores que sueñan con ser los próximos James Dean, llegan a Los Ángeles para probar suerte. Tras un par de años de fracasar en diversos castings, Tommy decide que es hora de crear su propia película: "The Room".

Los fenómenos pueden ser amados, odiados, comprendidos e incomprendidos al mismo tiempo, se los puede analizar buscando razones para justificarlos o descalificarlos, sin embargo, hay algo que un fenómeno nunca, jamás de los jamases puede ser: negado.

"The Room" llegó hace 14 años y de inmediato fue calificada como la peor película de la historia, fue un rotundo fracaso que aguantó apenas dos semanas en cartelera (pagadas por su creador) y no recibió más que burlas por su escasa calidad, incomprensibles escenas y sobre todo por Tommy Wiseau.

Pero en una época donde la viralización ya era una realidad, "The Room" se fue replicando decenas, cientos, miles y hasta millones de veces en Internet, consiguiendo una repercusión tan fuerte que se la reestrenó en sesiones de medianoche (al estilo de "The Rocky Horror Picture Show") donde el fenómeno avanzó a ser un suceso único, irrepetible y con una vigencia que muchas ganadoras del Oscar envidiarían.

Luego de leer el libro de Greg Sestero sobre la filmación de esa rareza nunca antes vista, James Franco sacó adelante este proyecto denominado "The Disaster Artist", donde él mismo se encarga de dar vida a Tommy Wiseau para mostrar la filmación del fenómeno "The Room".

Mientras miraba esta película había una pregunta (entre varias) que no podía parar de hacerme: ¿Puede una cinta que muestra la realización de una de las peores películas de la historia ser a su vez una de las mejores obras que se estrenaron este año? La respuesta irremediablemente terminó siendo un rotundo SÍ.

"The Disaster Artist" es una comedia desopilante, las risas que provoca son muchas y algunas duran tanto como con las escenas más recordadas de "The Room"; pero también "The Disaster Artist" es un biopic que trata de comprender y explicar a Wiseau, nunca desde una perspectiva de burla, sino desde el respeto y su focalización de soñador, excéntrico como ninguno, pero soñador a fin de cuentas.

James Franco suele ser un actor infravalorado pese a su versatilidad y aunque en "127 horas" alcanzó su interpretación más reconocida, lo que hace acá es sencillamente memorable. El tono de voz con ese particular acento europeo (claramente no de Nueva Orleans), los gestos calcados y hasta la risa, Franco se transforma en Tommy Wiseau, no lo imita y lejos está de parodiarlo, lo siente.

Acompañado por un elenco que lo respalda con solemnidad contribuyendo a su brillo, el actor muestra el -no menos insólito- proceso que derivó en la concreción de "The Room" así como el origen de las escenas y diálogos que más risas produjeron.

Si alguien me hubiera dicho hace unos meses que un biopic sobre la considerada peor película de la historia iba a estar entre mis películas favoritas del año difícilmente creería sus palabras, pero después de ver "The Disaster Artist" no puedo más que rendirme ante una película con tanto corazón como diversión que no hace otra cosa más que reafirmar el increíble suceso que significa "The Room".

9.4/10

La La Land (2016)

Mia es una joven actriz que trabaja de camarera mientras acude a los castings esperando el papel que le brinde su gran oportunidad. Sebastian es un pianista de jazz que se dedica a tocar en bares donde no le permiten desplegar su arte. Ambos se conocen y se enamoran de inmediato, iniciando un romance que sólo puede correr riesgo por sus ambiciones artísticas.

Amada por los críticos, aplaudida en diversos festivales, premiada en prácticamente todas las entregas donde fue nominada y enorme candidata a quedarse con la categoría más codiciada en la entrega de los Oscar 2017.

Con todos estos méritos y tantas distinciones, es imposible no decir que "La La Land" es una de las películas más importantes del año pasado.

Lamentablemente y pese a reconocer su enorme calidad artística, no puedo compartir el ferviente entusiasmo que despertó ya que sólo encontré un encantador musical romántico, que por mucho encanto que destile, no deja de ser un musical romántico más.

La historia se reduce simplemente a un romance entre una actriz y un pianista, algo visto numerosas veces así como también el desarrollo de este mismo. En el apartado argumental, lo único que valioso es ese final agridulce pero impecablemente ejecutado.

En cuanto a la dirección no hay quejas, Damien Chazelle demuestra que lo conseguido con "Whiplash" no fue casualidad, maneja los tiempos con un inquebrantable pulso y construye secuencias de una gran belleza visual (gracias también a una perfecta fotografía).

Por el lado de los actores, la pareja protagónica es encantadora, de eso no hay dudas, sin embargo, Emma Stone es quien realmente brilla dejando a Ryan Gosling un tanto desdibujado.

Es una pena que teniendo tantas virtudes no se haya nutrido el guión con momentos de mayor interés, o se haya trabajado en canciones más memorables ya que fuera de "City Of Stars", ninguna llega a serlo.

Siendo un incuestionable homenaje al Hollywood de la época dorada por el cual la mayoría la amará, "La La Land" es un musical repleto de méritos, lleno de encanto pero carente de una personalidad propia que la diferencie de las tantas películas clásicas que homenajea.

6.5/10